Reflexión sobre El Diablo viste de Prada 2
por Gustavo Carvajal Fonseca
La escena final de esta película me conmovió hasta el punto de no dejarme otra alternativa que escribir sobre ello para encontrar la razón.
¿Por qué una escena confeccionada como happy end de una feel good movie dominguera me dejaba casi al borde de las lagrimas? Es una cita en un restaurante donde Andy (Anne Hathaway) y Emily (Emily Blunt) se declaran, de una forma cifrada y avergonzada, su amistad y su admiración. Es el gran epílogo de la historia: ya no son antagonistas, ni competidoras, son dos sobrevivientes de un sistema deshumanizante.
Me emocionó la incapacidad de ambas de nombrar lo que estaba ocurriendo en la mesa, de expresar la ternura y el reconocimiento que las recorría a las dos. En un momento de la conversación casi se dan la mano, pero logran evitar el menor roce justo a tiempo. Lo que la película presentaba happy end yo lo leía como una tragedia contemporánea. No porque ellas sean víctimas. Sino porque la caja de lujo fashionista donde guardan sus emociones ha triunfado sobre todo lo demás.
La distancia emocional que estas dos mujeres sostienen es exactamente la habilidad por la que el sistema las seleccionó y les permitió sobrevivir. Llegaron donde están —Dior, Runway, premios de periodismo, apartamentos de lujo— porque aprendieron, año tras año, a blindar sus emociones y a reducir al otro hasta invisibilizarlo. Si se hubieran expresado el verdadero afecto que sentían, no estarían cenando en este restaurante. Estarían en otra vida, tal vez más cálida y más pequeña, una vida que ninguna de ellas eligió.
Y entonces me pregunto: ¿por qué las girlboss de alto rendimiento, tan celebradas por una década de feminismo corporativo, no han generado un modelo de liderazgo más humano, más empático, más habitable que el del patriarcado al que vinieron a sustituir?
Tal vez porque el problema nunca fue el género. Era el sistema capitalista. Y este sistema es inexorable para todos los que entramos en él.
El triunfo de la crueldad
En este mundo, el triunfo está estructuralmente ligado a la crueldad. El que asciende es el que puede despedir sin temblar, decir no sin disculparse, ver llorar a un subordinado y mantener el calendario. Llamamos a esto liderazgo. Y tenemos razón al llamarlo así, porque es lo que el cargo exige. La pregunta que casi nunca nos hacemos es si lo que el cargo exige es deseable como forma de vida.
En esta película, todo el mundo dice las palabras correctas. Miranda ya no puede llamar «fat girl» a una asistente, ni tirarle sus abrigos en la cara; tiene a su lado a una joven negra brillante, Amari, que la corrige cuando se desliza al léxico inconveniente. En las reuniones se habla de psychological safety. Nadie dice guys —dicen folks o persons. La superficie léxica de Runway en 2026 es impecablemente progresista. Pero estructuralmente es más cruel que en 2006: en la primera película, Miranda gritaba; en esta, se despide por mensaje de texto.
No es que finjan ser buenos siendo malos. Es algo más interesante y novedoso: el capitalismo ha aprendido que el lenguaje progresista es el más eficaz lubricante de la extracción. Mientras se diga persons, se puede despedir al doble. Mientras se hable de psychological safety, se puede precarizar la mitad del staff. Mientras la asistente corrija el pronombre, la maquinaria sigue aplastando cualquier resto de humanidad.
Análisis de tendencia social
Si leemos esta película como un informe de tendencias de la sociedad, lo que registra es que el idealismo ya no es un horizonte deseable.
En 2006, Andy renunciaba al lujo para hacer periodismo de verdad en The New York Mirror. La película la premiaba con un final luminoso y un apartamento oscuro, con cocina compartida y agua sucia: la dignidad del precio pagado. Esa estética humilde todavía era legible como vida valiosa. Era una película moral, en el sentido más antiguo de la palabra: el espectador entendía, sin que nadie se lo explicara, que Andy había hecho lo correcto.
Hoy ese mismo apartamento, en una pantalla, sería leído por cualquier espectador joven como derrota. Ha cambiado nuestra capacidad colectiva de valorar la dignidad. Y mientras tanto, el periodismo serio por el que Andy abandonaba Runway se ha vuelto una ruina: entre 2006 y 2026 se quebró la mayoría de las redacciones, el oficio se convirtió en producción de clicks, y la calidad cedió ante el algoritmo.
La película no problematiza este vacío. Acepta el nuevo régimen tan profundamente que ni siquiera necesita comentarlo. Ha naturalizado ese colapso.
La Caja no tiene género
Llevamos años nombrando la Caja como un dispositivo masculino. Lo es. Mata hombres todos los días, en cifras que no caben en ningún titular. Pero esta película demuestra que la Caja no necesita testosterona para funcionar. Tiene una versión que opera con tacones, con seda, con ambición femenina perfectamente legítima. La Caja del rendimiento. La Caja del KPI. La Caja del capital.
Lo que las masculinidades tradicionales aprendieron primero —no temblar, no necesitar, no pedir, no tocar— en la actualidad se le exige a todos. Las mujeres están entrando en la Caja no por error, sino como ascenso y deseo.
El mensaje de Hollywood hoy más que nunca es decirnos que “La Caja” gana y es deseable.
Por eso Emily y Andy no se tocan, sus manos quedan encuadrada unos segundos más de los necesarios, como si el director supiera que está filmando una derrota. No la derrota de Andy, no la derrota de Emily. La derrota nuestra.
Una nota final
Mi compañero de Men Out of the Box Alberto Simoncini ha publicado «El mundo no necesita más hombres exitosos«: un texto que más que la antítesis de este ensayo es un alivio, los invito a leerlo.